Peignez la lumière et l’ombre avec puissance : inspirez-vous des Maîtres italiens ! Le clair-obscur, rendu célèbre par Le Caravage, utilise la puissance de la lumière et de l’ombre pour créer drame, intensité et force visuelle. L’aquarelle n’est pas une technique « timide » : elle peut être vibrante, profonde et impactante… à condition de maîtriser les contrastes de valeurs ! Dans ce cours, vous apprendrez comment concevoir des zones de lumière et d’ombres intenses tout en conservant fluidité, transparence et subtilité. Nous commencerons par un mini-cours technique sur les valeurs tonales : comment gérer les grands aplats sombres, les maintenir profonds et transparents, et équilibrer les contrastes pour donner un impact visuel maximum à vos œuvres. Nous peindrons ensuite une scène de rue dramatique, en apprenant à choisir les couleurs qui renforceront l’atmosphère et l’émotion de votre peinture. Un cours à ne pas manquer ! Points forts de la séance Important : Développez des contrastes de valeurs puissants dans vos peintures. Essentiel : Apprenez à conserver vos grands aplats sombres fluides, transparents et profonds. Pro : Découvrez comment utiliser la couleur avec la force du clair-obscur pour sublimer vos sujets.

Maîtrisez la lumière, les contrastes et l’ambiance dans vos scènes de rue ! Les scènes de rue peuvent donner des peintures magnifiques… mais sans vie, elles paraissent souvent vides, voire abandonnées. Pour les rendre vibrantes et captivantes, il faut ajouter des éléments de vie : des personnages, des voitures, des boîtes, des enseignes… Ces détails créent du mouvement et apportent des formes secondaires intéressantes dans un décor souvent dominé par de grands bâtiments. Mais le véritable secret d’une scène de rue réussie ne réside pas dans la rue elle-même… c’est la conception de la lumière et des ombres, et la manière d’y intégrer la vie. Dans ce cours, je commencerai par un mini-cours pour vous apprendre à simplifier un sujet complexe et à construire une composition solide grâce à l’utilisation des contrastes et de la lumière. Points forts de la séance Important : Apprenez à simplifier une scène de rue et à créer un design équilibré. Essentiel : Découvrez comment intégrer des éléments de vie (personnes, voitures, boîtes, enseignes…) pour enrichir la composition. Pro : Développez l’art d’orchestrer l’équilibre subtil entre formes figuratives et formes abstraites pour dynamiser vos peintures.

Peindre les personnages avec naturel : donnez vie à vos scènes et créez le mouvement ! Peindre des personnages principaux dans une aquarelle peut sembler intimidant — les dessiner, les placer, les peindre… Mais éviter les figures dans vos tableaux est une erreur : elles apportent vie, mouvement, ambiance et narration. Dans ce cours, nous allons apprendre à peindre des personnages plus naturels, expressifs et bien intégrés. Au début de la séance, je vous propose un mini-cours pour vous aider à comprendre la structure des corps et leur rôle dans la composition. Ensuite, nous peindrons ensemble une scène de plage et ajouterons un troisième personnage principal, ainsi que plusieurs petites silhouettes, pour transformer la photo en une véritable peinture vivante. Cette séance vous apprendra : • IMPORTANT : Comment dessiner et peindre des personnages principaux, seuls ou en groupe. • ESSENTIEL : Intégrer des figures dans vos scènes pour leur donner plus de vie et d’histoire. • PROFESSIONNEL : Comprendre le langage de la figure humaine et son rôle dans une composition réussie. Un cours incontournable pour maîtriser l’art d’intégrer les personnages dans vos aquarelles, avec naturel et équilibre, tout en enrichissant vos scènes.

Peindre les personnages : créez la vie, l’émotion et maîtrisez la composition ! Dans ce cours vous apprendrez à peindre les personnages dans vos aquarelles — seuls ou en groupe. Peindre des figures peut sembler intimidant : souvent, les personnages paraissent rigides, trop détaillés ou mal intégrés à la scène. Pourtant, ajouter des silhouettes humaines peut transformer un tableau, à condition de savoir comment les peindre avec justesse. Nous verrons comment créer des figures naturelles, qui enrichissent l’histoire de votre tableau sans voler l’attention. Les personnages donnent vie à vos paysages, marines, scènes de rue ou de café : ils racontent une histoire, créent de l’ambiance et guident le regard du spectateur à travers la composition. Cette séance vous apprendra : • IMPORTANT : Comment peindre des personnages seuls ou en groupe de façon simple et efficace. • ESSENTIEL : Intégrer les figures pour sublimer vos peintures au lieu de les fragiliser. • PROFESSIONNEL : Utiliser stratégiquement les personnages pour équilibrer vos compositions et créer un impact visuel fort. Une séance incontournable pour comprendre l’art d’intégrer la figure humaine et donner plus de vie et d’émotion à vos aquarelles.

Libérez vos gestes et donnez de la vie à vos aquarelles ! Votre coup de pinceau, c’est votre signature artistique. Mais comment passer d’un rendu rigide à des gestes libres, expressifs et convaincants ? Dans ce cours, vous allez découvrir ce qui différencie un trait maîtrisé d’un trait brouillon, et comment trouver le juste équilibre entre spontanéité et précision. Vous verrez également comment identifier le style de gestes qui vous correspond, afin de développer une écriture picturale personnelle et unique. L’objectif : donner plus de mouvement, d’émotion et de personnalité à chacune de vos peintures. Cette séance vous apprendra : • IMPORTANT : Comment assouplir vos gestes pour un rendu plus libre et vivant. • ESSENTIEL : Développer un style de touches de pinceau personnel qui exprime votre sensibilité artistique. • PROFESSIONNEL : Maîtriser l’art de la ligne et de la forme pour transmettre votre émotion à chaque coup de pinceau. Une séance parfaite pour celles et ceux qui souhaitent élever leur peinture en créant une signature visuelle unique.

La leçon ultime : Design & Émotion au cœur de vos aquarelles ! Nous allons découvrir ici l’art de créer un design fort pour donner puissance et unité à vos peintures. Vous apprendrez comment les motifs, les formes, les valeurs et les couleurs interagissent pour construire une composition solide — et pourquoi la simplification est essentielle pour réussir. Un bon design n’est pas un hasard : c’est la base de tout tableau impactant. En travaillant sur la structure abstraite de vos peintures, vous apprendrez à concevoir une œuvre qui parle au regard et au cœur. Cette séance vous apprendra : • IMPORTANT : Qu’est-ce que le design et pourquoi il est essentiel dans chaque tableau. • ESSENTIEL : Comment construire une composition forte ET chargée d’émotion. • PROFESSIONNEL : Utiliser design + émotion pour réussir vos tableaux à chaque fois — et dire adieu aux échecs ! Plongez au cœur de l’équilibre parfait entre technique et ressenti, et découvrez comment amener vos aquarelles au niveau supérieur.

Apprenez à peindre des bateaux avec force, design et atmosphère ! Il existe des sujets puissants que nous voulons peindre… tout en préservant une atmosphère douce et poétique. Comment concilier ces deux aspects ? Dans ce Live, je vous montre comment équilibrer force et subtilité pour créer des tableaux à la fois impactant et harmonieux. Grâce à la maîtrise des formes, des valeurs et des couleurs, nous allons construire une hiérarchie des techniques - un nouvel outil passionnant qui fait son entrée dans mes séances LIVE ! Avec cette nouvelle série, nous allons plonger plus profondément dans l’ambiance, l’émotion et l’impact visuel. Cette séance vous apprendra : • IMPORTANT : Qu’est-ce que la hiérarchie des techniques et comment l’utiliser dans vos tableaux. • ESSENTIEL : Créer deux atmosphères différentes : une dans le sujet, l’autre dans l’ensemble de la composition. • PROFESSIONNEL : Maîtriser l’art des transitions subtiles et comprendre d’où vient la vraie force d’une œuvre… pour l’intégrer à vos peintures. Une séance conçue pour faire passer vos aquarelles au niveau supérieur, en combinant maîtrise technique et sensibilité artistique.

La chaise et la chemise – Créer de l’émotion à partir du banal Apprenons à peindre ce qui semble être rien ! Comment transformer un sujet banal en tableau fort ? On cherche souvent des paysages parfaits, mais ce sont souvent les objets du quotidien qui parlent le plus. Pourquoi ? Parce qu’ils sont intimement familiers. Ils évoquent des souvenirs, des sensations, du vécu. Dans ce Live, on va voir comment créer du sens à travers une chaise, un vêtement, une lumière… Vous vous souvenez des tableaux de chaises de Van Gogh ? Il ne peignait pas une chaise, il peignait une présence. À votre tour d’apprendre l’art de raconter à travers les choses simples.

Peindre l’atelier – Donner du cœur à vos tableaux à travers les objets du quotidien. L’art de peindre les choses ! Ici, nous peindrons un atelier d’artiste (non, ce n’est pas le mien — le mien est bien plus en désordre !). Le but de cette séance : apprendre à créer de l'émotion dans vos peintures. Ce sujet résonne profondément. L’atelier est un lieu de transformation, de recherche, un espace intime qui reflète notre évolution. Alors, comment traduire tout cela en peinture ? En jouant avec la lumière, les ombres, la composition et les formes abstraites. On va chercher à créer de l’émotion sincère, du lien avec le spectateur. C’est le cœur de ce que signifie peindre.

Café en contre-jour – Silhouettes, lumière et ambiance en aquarelle. Apprenez l’art du contre-jour ! Les scènes de café sont des sujets riches et vivants — parfois même trop chargés. Le contre-jour vous permet de créer des silhouettes fortes, de diriger le regard, tout en ajoutant un maximum d’ambiance. On croit souvent que ce genre de scène repose uniquement sur les valeurs et les formes, mais la couleur y joue un rôle clé pour l’atmosphère générale. Avec ce sujet, je veux vous montrer comment peindre la lumière et les silhouettes sans raideur, en apprenant à suggérer, à composer, et à créer du rythme et du mystère.

La petite barque rouge – Transformer une photo banale en peinture créative. Transformez une photo improbable en une peinture grâce à la pensée créative ! Certaines photos sont superbes, mais feraient de mauvaises peintures… à moins de savoir comment retravailler le sujet. Cette scène de barque rouge attire le regard — en photo. Mais si on la peint telle quelle, cela ne fonctionnera pas. Alors voyons d’abord pourquoi certains sujets ont besoin d’être repensés, puis comment les retravailler pour obtenir un meilleur résultat. Le but d’un tableau, c’est de créer de l’unité et d’inviter le spectateur dans votre monde. C’est là que votre créativité entre en jeu !

Créer un tableau fort à partir d’un sujet complexe. Savoir par où commencer, comment simplifier un sujet et comment le terminer, c’est tout ! Nous travaillerons ici sur ce qui semble être un sujet extrêmement complexe : Honfleur, en Normandie. Nous verrons pourquoi et comment il est essentiel de réduire un sujet à son cœur, puis de le reconstruire. Chaque sujet a un noyau, mais comment l’identifier ? Ensuite, nous créerons un tableau solide à partir de formes et de valeurs. Le but : apprendre à composer avec force, au lieu de simplement copier un sujet. Un tableau fort, ce n’est pas une reproduction, c’est une création.

Donnez du sens à votre composition - Utilisez votre feuille avec INTENTION ! Beaucoup de gens peignent en se concentrant uniquement sur les objets : arbres, maisons, pots... Mais cela ne donne pas un tableau fort ni porteur de message. Cela donne un tableau rempli d’objets. L’une des erreurs fréquentes, c’est de croire que plus on en met, mieux c’est. Peut-être que cela vous parle : vous voulez un beau ciel, montrer le volume d’un pot, la texture d’une porte… mais ce qui compte, c’est comment vous organisez votre surface, entre design, lisibilité et impact. Ici nous peindrons le Fort La Latte, en Bretagne, pour apprendre à simplifier et à unifier notre tableau autour d’une intention claire.

Maîtriser la lumière – Créer du rythme et de l’ambiance dans un canal vénitien. Pour réussir un tableau fort, il ne s’agit pas de peindre des objets comme des arbres, des bateaux, des yeux ou des bâtiments… mais de créer des formes qui fonctionnent entre elles avec les bonnes couleurs et valeurs. Beaucoup de débutants se concentrent sur les objets. Ne faites pas cette erreur. Ici nous peindrons un canal à Venise en nous concentrant sur la lumière et les motifs créés par les ombres, plus que sur les fenêtres ou les ponts. Il ne s’agit pas de représenter, mais de suggérer. La lumière dictera les couleurs et le rythme. Ensemble, nous apprendrons à créer ce halo lumineux qui donne toute l’ambiance d’un tableau. C’est cela, créer une véritable atmosphère !

Santa Maria della Salute – L’art de peindre les détails avec justesse. Dans ce cours, je me concentre sur l’art de peindre les détails ! Rejoignez-moi pour peindre mon bâtiment préféré au monde : la Santa Maria della Salute à Venise. Pourquoi ? Ce sujet magnifique est l’occasion idéale pour apprendre à peindre les détails de façon efficace, pour terminer vos tableaux avec finesse, sans les surcharger, sans les rendre naïfs ou maladroits, et en faisant en sorte que les détails renforcent la qualité du tableau final. Savoir finir un tableau est peut-être plus important encore que savoir comment le commencer.

Comment superposer les couches pour donner une impression d’espace et de profondeur. Dans ce cours, je vous emmène en Australie… à Melbourne, ma ville, mon chez-moi, et — à mes yeux — la plus belle ville du monde ! Nous allons peindre une scène urbaine vibrante, où l’on jouera avec la superposition des couches pour créer profondeur, espace et atmosphère. Lors de cette séance en direct, vous apprendrez à : - Créer une vraie sensation de profondeur grâce à la superposition progressive des couches picturales. - Trouver et positionner le point focal idéal, pour que le regard circule naturellement dans votre scène. - Peindre une scène de rue vivante et crédible, de façon simple et structurée. Un sujet riche, qui vous aidera à mieux comprendre comment construire un tableau en finesse, couche après couche, tout en gardant transparence, lumière et équilibre.

Comment peindre un lieu magique, l'un des plus beaux paysages d’Italie : le lac de Garde. Un sujet riche, où l’avant-plan, le second plan et l’arrière-plan jouent tous un rôle fondamental dans la réussite de la composition. Lors de cette séance vous apprendrez à : • Peindre un sujet où chaque plan est indispensable à l’équilibre de l’ensemble. • Guider le regard du spectateur avec intelligence à travers toute la scène. • Réaliser des reflets réalistes et lumineux, pour donner vie à l’eau et renforcer l’ambiance. Ce cours est idéal pour celles et ceux qui souhaitent progresser dans la composition de paysages complexes, tout en gardant fraîcheur, fluidité et lumière dans leur aquarelle.

Lumière éclatante, ombres marquées, textures riches… Tout cela réuni dans une seule aquarelle. Au programme de ce cours : peintures écaillées, pierre qui s’effrite, lumière forte — des sujets parfaits pour apprendre à donner du relief, de la matière et du caractère à vos œuvres. Pendant cette séance, vous allez découvrir comment : • Créer des textures convaincantes qui renforcent le réalisme et l’intérêt visuel de vos sujets. • Utiliser intelligemment les couleurs transparentes, opaques et granulantes pour accentuer l’illusion de matière. • Composer votre image de manière à éviter la symétrie excessive, et ainsi donner plus de vie et d’équilibre à vos scènes. Comme toujours, nous avancerons étape par étape, avec des explications claires et des astuces concrètes à intégrer dans votre propre pratique artistique.

Bois usé, métal patiné, vieilles boîtes oubliées… et une foule de textures à faire apparaître avec seulement de l’eau et des pigments ! C’est le moment de ressortir vos vieux objets fétiches — dans ce nouveau cours en direct, nous allons peindre des boîtes anciennes et explorer l’illusion de la matière. Lors de cette séance vous apprendrez à : • Recréer en aquarelle l’apparence du bois, du métal et des textures vieillies. • Maîtriser les valeurs et les couleurs pour donner du volume et de la profondeur à vos objets. • Comprendre comment la couleur peut transformer une simple forme en une texture réaliste et tactile ! L’objectif : que vous puissiez, grâce à ces techniques, enrichir vos compositions avec des effets de matière subtils… et bluffants !

Harmonie colorée envoûtante, bords fondus, atmosphère maximale… et transparence absolue ! Que va-t-on explorer ensemble dans ce cours ? Des formes translucides, des ombres légères et une ambiance presque hypnotique — voilà le programme du live de cette semaine. Au cours de cette séance en direct, vous découvrirez comment : • Créer une atmosphère puissante dans toutes vos œuvres grâce à l’unité colorée et la proximité des teintes. • Travailler la transparence et les superpositions pour renforcer la sensation de profondeur et de mystère. • Structurer vos formes en vous appuyant sur les valeurs tonales et les types de contours pour accentuer l’impact visuel de chaque composition. Comme toujours, nous allons avancer ensemble pas à pas, en alliant technique et expressivité, pour que vous puissiez intégrer ces principes dans votre propre style.

Faites vibrer vos aquarelles grâce au pouvoir de la répétition des couleurs. On parle souvent d’harmonie, de contraste ou d’équilibre coloré… mais la répétition des couleurs est l’une des techniques les plus puissantes pour unifier et renforcer vos aquarelles. Comment fonctionne-t-elle ? C’est l’un des moyens les plus simples pour créer des peintures fortes et cohérentes. • Apprenez à utiliser la couleur pour instaurer rythme, équilibre et force visuelle sans saturer l’œil du spectateur. • Découvrez comment la répétition guide le regard à travers votre œuvre, porté par un fil invisible de teintes récurrentes. • Apprenez à utiliser la répétition, en technique libre ou affirmée, pour créer un contrôle, une élégance et un intérêt inégalés. Ce cours vous montrera comment de petits choix de couleurs peuvent avoir un impact immense. Maîtrisez l’art de la répétition, et vos aquarelles parleront avec une force inoubliable.

Apprenez à peindre TOUS les sujets complexes FACILEMENT avec l'unité des couleurs!! Comment maîtriser la puissance de l’unité colorée pour un impact immédiat. En aquarelle, l’unité des couleurs est la force cachée qui donne cohésion et puissance à une peinture. Elle construit une structure forte et claire qui capte instantanément l’attention. Grâce à l’unité colorée, votre sujet n’est plus une addition de formes isolées, mais devient un ensemble harmonieux et imposant qui attire irrésistiblement le regard. • Découvrez comment une palette limitée renforce la cohésion et l'impact visuel. • Apprenez à créer des liens colorés forts pour rendre vos compositions intentionnelles et captivantes. • Simplifiez la complexité grâce à l’unité pour rendre vos peintures plus marquantes et mémorables. Utilisez l’unité colorée pour donner à vos peintures un pouvoir hypnotique : celui de retenir le spectateur, incapable de détourner le regard. Quand la couleur parle avec force, vos œuvres s’imposent d’elles-mêmes — un atout décisif pour exposer en concours ou vendre votre art !

Libérez la puissance de vos aquarelles grâce à la juxtaposition des couleurs ! Dans ce cours, vous verrez comment la juxtaposition des couleurs peut transformer instantanément vos œuvres. À la fin de cette séance, vous ne peindrez pas seulement mieux : vous verrez le monde autrement ! Bienvenu dans ce cours pour enfin maîtriser la puissance de la juxtaposition des couleurs : • Découvrez ce qu’est la juxtaposition des couleurs et comment l'utiliser dans vos peintures. • Apprenez à placer couleurs chaudes et froides, claires et foncées, vives et ternes pour magnifier vos sujets, même les plus simples. • Faites vibrer des objets ordinaires — comme des bateaux — en leur insufflant vie et puissance. • Osez des associations de couleurs audacieuses et inattendues avec confiance.

Peindre l’immensité : Capturer la grandeur des falaises d’Etretat à la manière des Impressionnistes. Comment retranscrire la monumentalité de la pierre, des falaises et des grands espaces sans surcharger votre peinture ? Comment structurer votre composition pour donner l’illusion d’un sujet vaste et imposant ? Comment suggérer les détails avec des touches de pinceau dynamiques plutôt que de tout peindre minutieusement ? Les impressionnistes, fascinés par la lumière changeante et l’atmosphère en mouvement, ont immortalisé les falaises spectaculaires d’Étretat et de Honfleur. Avec des touches vibrantes et expressives, ils ont su restituer la puissance de ces paysages grandioses sans jamais perdre leur fraîcheur ni leur spontanéité. Dans cette séance, nous explorons : 🔹 Comment organiser l’espace pour amplifier l’effet de grandeur. 🔹 Comment utiliser la lumière et les reflets pour créer un point focal et une ambiance forte. 🔹 Comment reproduire l’énergie et la spontanéité de la peinture en plein air, même en atelier. Apprenez à capturer l’essence d’un paysage grandiose en jouant avec les contrastes, la couleur et le geste pictural.

Comment rendre vos peintures hypnotiques !!

Peindre l’âme d’un lieu emblématique : Le Mont-Saint-Michel en aquarelle. Relevez un défi captivant : peindre un monument mythique que tant d’artistes ont déjà représenté, mais en lui apportant votre touche unique. Comment retranscrire l’immensité et la présence intemporelle d’un site emblématique ? Comment créer une atmosphère forte sans perdre la lisibilité du sujet ? Comment utiliser la couleur pour renforcer la composition et donner plus d’impact à votre œuvre ? Le Mont-Saint-Michel, avec son abbaye médiévale perchée sur un îlot rocheux, est une merveille où l’architecture et la nature s’entrelacent harmonieusement. Entouré de vastes étendues de sable balayées par les marées, son imposante silhouette se détache majestueusement sur l’horizon, offrant un spectacle fascinant sous toutes les lumières. Son atmosphère mystique, ses ruelles sinueuses et ses pierres chargées d’histoire en font un sujet d’exception, à la fois inspirant et redoutable à capturer en peinture. Dans cette séance, nous explorerons ensemble les clés pour exprimer la puissance et la magie du Mont-Saint-Michel en aquarelle. Apprenez à composer une image percutante, à jouer avec les contrastes et à sublimer l’ambiance de votre tableau grâce à la couleur. Prêt(e) à relever le défi ? Rejoignez moi pour une immersion artistique au cœur d’un chef-d'œuvre du patrimoine français !

Vous avez le sujet parfait, mais comment créer l’atmosphère parfaite pour cette scène magnifique de la Basilique Saint-Marc à Venise, en Italie ? Créer une atmosphère, c’est avant tout travailler ses choix de couleurs et de valeurs pour qu’ils traduisent l’émotion que vous souhaitez transmettre dans votre peinture. Mais il existe un autre outil, encore plus important, pour donner une véritable atmosphère à une œuvre : le travail des contours. Les bords d’une peinture font référence aux contours de chaque forme, y compris ceux des détails ! Apprenons quand utiliser des contours doux, précis ou fusionnés, afin d’amplifier l’atmosphère de vos œuvres, quel que soit le sujet que vous peignez. Nous allons explorer en profondeur comment utiliser les bords pour créer une atmosphère, organiser la hiérarchie des formes et donner une sensation de rêve à un sujet spectaculaire !

Maîtrisez l’atmosphère mieux que quiconque autour de vous. Tomber amoureux d’une peinture repose entièrement sur ce qu’elle vous fait RESSENTIR ! Alors, comment pouvez-vous faire ressentir quelque chose à quelqu’un devant vos peintures ? Dans cette session, nous plongeons dans la technique de l’artiste anglais et maître de l’atmosphère Richard Parkes Bonington. Peu d’artistes ont su créer une atmosphère aussi puissante tout en maîtrisant la composition au niveau où Bonington l’a fait. En étudiant comment Richard Bonington créait l’atmosphère, les outils qu’il utilisait et les choix qu’il faisait, nous apprendrons cette semaine à appliquer ses connaissances dans nos propres aquarelles pour garantir que nos peintures touchent le cœur du public, des juges, des acheteurs et des galeristes. Rejoignez-moi pour une session absolument magique !

Devenez maître du changement : sublimez vos paysages avec des ajustements efficaces ! « Il arrive que l'on trouve un sujet qui semble pouvoir faire un grand tableau, mais que l'on veuille quand même changer les choses afin de créer une peinture unique. La composition est l'outil utilisé à cette fin. Dans ce paysage australien, les couleurs et les formes fonctionnent bien pour créer l'impact que nous voyons dans cette photo, mais la gamme des valeurs tonales pourrait être meilleure. Qu'est-ce qui me fait dire cela ? Un sentiment de manque de profondeur, un manque de perspective aérienne et un manque de volume dans les arbres. Avec ce sujet, je ne veux pas tout changer, j'aimerais vous apprendre à savoir ce qui doit être changé pour améliorer le sujet et en faire une meilleure peinture. Le changement n'est pas ce que nous recherchons, le changement efficace est plus important. Chaque sujet nécessite une modification, qu'il s'agisse d'un portrait, d'un paysage, d'une marine ou même d'un tableau abstrait. Comprendre quels changements apportent quels effets est vraiment ce qui fait la différence entre le peintre et l'artiste. Croyez-moi, vous ne voudrez pas manquer cette session ! »

Repoussez vos limites : créez une ambiance saisissante avec une scène de neige ! "Il s'agit d'un sujet simple, mais complexe. Peindre la neige n'est pas naturel pour la plupart des Australiens, mais je vais essayer. POURQUOI ? Parce qu'il est important de sortir de sa zone de confort et de se pousser à améliorer les aspects de sa peinture qui peuvent l'être... et nous avons tous des aspects à améliorer ! !! 😊 Cette semaine, je veux créer une atmosphère étonnamment magnifique avec cette scène de neige et l'un des moyens que je vois pour y parvenir est de mieux utiliser l'espace dans ce sujet. L'espace est si important pour créer une atmosphère. Nous pensons souvent que la couleur est le meilleur outil pour créer une atmosphère, mais l'espace en est un très important, car c'est pratiquement la première chose que nous voyons dans un sujet. Utilisons ce sujet pour créer une ambiance, un attrait et un impact important. Avec ce sujet, je veux amener cette peinture de démonstration jusqu'à une peinture finie impressionnante, donc si vous êtes prêt à repousser vos limites, c'est une session parfaite pour vous ! Peignons sur une feuille un peu plus grande et voyons comment nous pouvons le faire ensemble ! »

Libérez votre créativité : transformez les paysages en œuvres uniques ! « Nous allons transposer aux paysages ce que nous avons appris sur la composition dans les natures mortes. Les paysages sont sans aucun doute le sujet le plus peint dans l'art, et pour être honnête, il y a des paysages étonnants, mais il y a aussi beaucoup de paysages qui ne déclenchent tout simplement aucune émotion chez le spectateur. Cette semaine, j'ai choisi comme point de départ cette peinture d'une grange que j'ai trouvée sur Internet. En tant qu'exercice, je trouve que peindre un sujet qu'un autre artiste a peint est un défi amusant qui nous oblige à apprendre comment nous pouvons utiliser nos propres idées pour transformer un sujet et créer une peinture entièrement nouvelle. Si vous n'avez jamais essayé, je vous encourage à vous lancer. Il s’agit d'un processus d'apprentissage qui nous oblige à être plus créatifs et confiants dans nos idées et nos choix. Avec ce sujet, nous allons déplacer toutes les formes de cette peinture, changer la gamme des valeurs tonales et les couleurs, pour voir comment nous pouvons transformer ce sujet. Cela nous permet de voir comment la modification des formes, des valeurs tonales et des choix et arrangements de couleurs peut non seulement transformer un sujet, mais aussi et surtout nous apprendre à faire nos propres choix, plutôt que de simplement copier, et à avoir confiance en nos idées. Pouvoir transformer n'importe quel sujet quand et comme vous le souhaitez est synonyme de liberté artistique ! C'EST DE L'OR pour tout artiste ! »

De la complexité à l'essentiel : créez des peintures originales et percutantes ! « J'adore ce sujet ! !! Avec ce sujet, nous allons passer à des formes et des sujets plus complexes. Le but ici est de savoir ce qu'il faut garder, ce qu'il faut changer et ce qu'il faut éliminer dans un sujet. Ce sujet est en fait une demande d'une personne qui participe chaque semaine à mes LIVE. Il y a tellement de choses qui se passent dans ce sujet, et tout est intéressant, qu'il est tentant de tout peindre, mais cela ne fera qu'affaiblir la peinture. L'objectif est d'apprendre à préserver le sujet tout en créant une peinture originale. C'est un problème majeur pour de nombreuses personnes qui copient le sujet au lieu de créer une peinture. Apprenez comment vous pouvez améliorer ce point dans vos peintures.»

Réinventez la composition : transformez des formes répétitives en peintures captivantes ! « La composition est l'outil que les artistes utilisent pour créer de la force, de l'impact, de la subtilité, de l'intérêt et du sentiment dans une peinture. J'ai ici choisi un sujet répétitif, car les formes répétitives se retrouvent dans de nombreux sujets courants tels que les scènes de forêt, les fleurs, les natures mortes et les sujets tels qu'une ligne de bateaux. Le piège est toujours le même : peindre le sujet comme nous le voyons, puis, à cause de la répétition, cela devient trop. Alors, comment pouvons-nous utiliser les mêmes formes répétitives pour créer une peinture intéressante, qui ne soit pas ennuyeuse ou excessive ? La réponse est encore une fois dans le choix des formes, des valeurs tonales et des couleurs !

Ce LIVE est tout ce que vous avez besoin de savoir sur la COMPOSITION. Un MASTER class!! De la copie à la création : comment sublimer des sujets simples en peinture. Voici un sujet que presque tous les artistes ont peint au moins une fois. Cette semaine, nous allons apprendre comment nous pouvons prendre un sujet que nous voyons tous les jours et le transformer en peinture. Les pinceaux sont d'excellents sujets, MAIS la composition est l'outil qui vous permettra de prendre n'importe quel sujet domestique ou simple et de le transformer en peinture. POURQUOI ? Parce que vous pouvez utiliser la forme, la valeur tonale, le choix et l'emplacement des couleurs pour créer l'ambiance que vous souhaitez. Mon objectif est ici de vous aider à passer de la copie à la création. Chaque sujet, même les pinceaux, peut exprimer un sentiment et un message. Nous nous concentrerons sur la façon dont la forme, la valeur tonale, le choix des couleurs et leur disposition peuvent créer l'ambiance et le message que vous souhaitez dans vos peintures.

Allez plus loin en composition : formes, couleurs et valeurs tonales. « Comment aller plus loin dans la composition ? La composition consiste à disposer les formes, les valeurs tonales et les couleurs sur votre feuille. La façon dont vous le faites crée l'effet que vous obtenez dans une peinture. Nous nous concentrons ici sur l'étonnante relation entre les formes, les couleurs et les valeurs tonales. C'EST DE L'OR ! !! Vous avez besoin de ces informations si vous voulez savoir quelle est la meilleure façon de disposer vos formes, quelle gamme de valeurs tonales utiliser et quel est le meilleur choix de couleur pour une peinture. Une peinture est une question de choix, apprendre à faire de bons choix améliore automatiquement vos peintures ! »

Maîtriser l'espace sur la feuille par la composition. « La composition est une question d'espace sur le papier, c'est donc par là qu'il faut commencer ! Comment utiliser l'espace dont nous disposons ? Devons-nous simplifier le sujet ? Ajouter ou supprimer des éléments ? Déplacer les formes ? Comment gérer les grandes formes vides ? Nous allons peindre cette magnifique composition florale, mais en nous concentrant sur les formes en particulier. Il y a beaucoup de formes dans ce sujet ; de grandes formes, de petites formes, des formes chargées, des formes vides, des formes discrètes et des formes dominantes, c'est donc un bon sujet pour commencer à comprendre cet aspect essentiel de la composition. Nous verrons comment savoir quelles formes sont nécessaires, lesquelles sont essentielles et comment savoir quelles formes nous pouvons éliminer. Cette semaine, nous nous concentrerons également sur la transparence et la liberté du travail au pinceau afin d'obtenir une sensation dans nos peintures. »

Comment savoir ce qu'il faut faire pour bien terminer une peinture. Cette première session LIVE de ma 6e série se concentrera sur la façon de finir vos peintures. La façon dont nous terminons un tableau détermine son résultat. Nous avons tous été frustrés par des peintures, ne sachant pas comment les assembler, et d'autres que nous semblons avoir trop travaillées. Chaque étape d'une peinture est cruciale : la planification, la peinture et la finition. Cette semaine, nous verrons ce que signifie « terminer » un tableau et comment savoir ce qu'il faut faire pour bien terminer une peinture.

Maîtrisez brouillard, lumière et reflets : astuces pour un effet saisissant sans surcharge. Comment peindre le brouillard, la lumière directe et les reflets dans le même tableau ? Quelle est la différence et y a-t-il un moyen facile d'obtenir un bon effet tout en maintenant la créativité et en ne surchargeant pas le sujet ?

Évitez l'effet carte postale : donnez vie et émotion à vos marines grâce à des formes créatives. C'est un sujet que nous voulons peindre, mais comment éviter de faire une peinture qui ressemble à une carte postale ? Pour créer un sentiment dans une peinture, nous devons faire preuve de créativité, utiliser des formes perdues et trouvées et nous concentrer sur la création de formes inattendues. Peignons cette marine ensemble et voyons comment nous pouvons donner plus d'émotions à ce sujet.

Peindre la lueur dorée du crépuscule : capturer la magie sans surcharger votre peinture de détails. L'un des meilleurs moments pour peindre est le soir, lorsque le soleil se couche, créant une lueur dorée à partir de la dernière lumière du jour. Ce type d'éclairage crée une harmonie et a besoin de transparence et de fluidité pour être crédible. Comment pouvons-nous utiliser des touches créatives et des détails pour renforcer cette sensation de « dernière lumière » dans une peinture sans surcharger les détails. Notre but est de faire ressentir le spectateur plutôt que de le faire réfléchir, mais comment ?

Maîtriser l'art des lavis : renforcer l'atmosphère en évitant l'excès de détails dans vos peintures. Voici un beau sujet qui pourrait être peint de tant de façons différentes, mais comment pouvons-nous renforcer l'atmosphère et éviter de peindre trop de détails ? Dans ce cours nous nous concentrerons sur la peinture de grands lavis transparents et nous apprendrons comment un travail créatif au pinceau peut renforcer l'atmosphère du sujet !

Comment laisser des blancs en aquarelle : maîtriser la lumière et la transparence pour sublimer vos œuvres. Beaucoup trouvent difficile de laisser des zones blanches dans leurs peintures. Pourtant peindre des arrière-plans de sujets complexes en valeurs claires est magique, car cela crée beaucoup de lumière et une sensation presque abstraite. Mais comment peindre autant de valeurs légères sans surcharger nos peintures et en conservant la transparence ? Dans ce cours, nous nous concentrons sur la manière de peindre et de laisser de fines lignes blanches et des détails dans vos peintures. Cela vaut la peine d'être découvert car cela vous permettra de peindre de nombreux autres sujets tels que les cheveux dans les portraits, les mâts et les cordages dans les sujets marins, les détails variés dans les natures mortes. Apprendre à laisser autant de formes blanches est un must pour tout aquarelliste !

Les solutions pour améliorer vos reflets à l'aide de grands lavis transparents. Les étangs, les marais et les océans sont remplis de couleurs, de textures et d'effets différents qui nous font percevoir des objets sous l'eau, d'autres au niveau de l'eau ou au-dessus de l'eau, tout en créant des reflets. Il s'agit d'un sujet à surfaces multiples qui nécessite beaucoup de peinture humide, libre et créative. Il s'agit d'une séance pour assouplir votre travail au pinceau et améliorer vos grands lavis transparents.

PARTIE 2 (Contre-jour). La magie du contre-jour, des silhouettes et des reflets. Dans cette séance, nous nous concentrerons sur le choix des couleurs qui vous aideront à créer une lumière, des ombres et des reflets convaincants. Le choix des couleurs est essentiel pour créer des ombres et des reflets crédibles, et les ombres sont essentielles pour créer une bonne atmosphère dans n'importe quel sujet. Les LIVES (26 août et 2 septembre) sont importants pour améliorer votre travail sur les ombres, quel que soit le sujet.

PARTIE 1. Apprenez la magie du contre-jour, des silhouettes et des reflets.

" Nous n'avons pas toujours le sujet " parfait " sous la main, et le voulons-nous vraiment ? Utilisons notre créativité pour voir comment même la plus ennuyeuse des scènes de rue peut devenir une peinture étonnante ! "

" Les peintures de monuments et de scènes de rue se vendent bien. Nous le savons tous. Mais le problème est que beaucoup se ressemblent et qu'ils sont souvent sur-travaillés. Comment s'assurer que le sujet de carte postale qui attire la clientèle demeure toujours super intéressant et unique, garantissant des ventes ET l'intégrité artistique ? "

" Ce sujet est beau...mais vide ! !! Il a besoin d'un peu de vie pour chanter ! Comment modifier une photo pour la rendre plus intéressante et lui donner plus de vie ? C'est ce que nous allons faire cette semaine. Toutes les peintures ont besoin de vie ! Si vous voulez que vos peintures se distinguent des autres, ou qu'elles soient simplement belles sur votre mur, vous devez ajouter un " quelque chose " spécial à chaque peinture. Lundi, nous verrons comment y parvenir. "

Comment transformer le " sujet parfait " en une peinture sans copier et sans être ennuyeux ? Mon objectif avec ce sujet est de m'assurer que nous créons la meilleure base possible pour nos peintures. Nous allons simplifier et nous concentrer sur ce que nous voulons ; l'ambiance, la lumière, la sensation et voir COMMENT nous pouvons réaliser tout cela dans ce magnifique sujet de scène de rue.

Comment maintenir transparence et spontanéité dans le travail du pinceau ? Les peintures peuvent sembler trop contrôlées lorsque le pinceau est trop serré. Comment passer d'une peinture trop travaillée à un travail de pinceau lâché et spontané ? L'objectif de cette semaine est de maintenir la transparence et la spontanéité dans le travail du pinceau, mais aussi d'arrêter de sur-travailler et de peindre des formes rigides. Cette semaine, nous allons peindre une version libre de cette place de marché indienne. Nous nous concentrerons sur la création d'une impression plutôt qu'une image photographique. Pour ce faire, nous simplifierons grandement le sujet !

Thème : Le pouvoir de la couleur pour amplifier l'énergie du sujet. Cette semaine, nous continuerons à nous concentrer sur l'ajout de petites figures dans les peintures pour créer plus de vie. Nous nous concentrerons également sur le pouvoir de la couleur pour amplifier l'énergie de notre sujet. Nous travaillerons sur ce que j'appelle le " traitement du sujet ", c'est-à-dire que nous examinerons les choix à faire pour créer une atmosphère détendue dans une peinture et les choix à faire pour rendre votre peinture pleine de vie, ce qui vous permettra de créer l'atmosphère que vous souhaitez avec n'importe quel sujet.

Thème : Peindre des bâtiments qui semblent réels tout en y ajoutant une touche de vie. Les bâtiments sont un sujet difficile pour beaucoup de gens. Pourtant, il existe une façon simple de les peindre qui permet à chacun de pénétrer dans le monde fascinant des rues, des marchés et des monuments. Cependant, les bâtiments seuls peuvent sembler abandonnés sans quelques personnages. Pour illustrer à quel point cela peut être amusant, et aussi pour apprendre comment simplifier des sujets complexes et inclure de petits personnages qui semblent réels, nous allons peindre cette magnifique image du Maroc. Ce sera un sujet magnifique et LIVE !

Thème : Comment ajouter des ingrédients magiques dans une peinture? Il y a des sujets magiques qui sont très efficaces à inclure dans les peintures pour augmenter l'atmosphère et la charge émotionnelle de la peinture, tels que les reflets, les flaques d'eau, la fumée, le brouillard... Cette semaine nous allons peindre une scène de carte postale où les reflets jouent un rôle énorme, non seulement pour créer une atmosphère mais aussi pour créer un sentiment de profondeur et inviter le spectateur dans la peinture. Cette séance est essentielle pour tous ceux qui veulent exposer leurs peintures et créer des peintures qui ne sont PAS comme les autres ! Créer son propre style et ne pas se contenter de copier une photo.

Thème : Utiliser l'espace sur votre feuille de manière convaincante. Un tableau n'est pas seulement un sujet, c'est un ensemble de formes. Cette semaine, nous examinerons de près ce que sont la composition et la structure et comment ces deux éléments puissants peuvent transformer immédiatement votre peinture. Nous réaliserons également une peinture de ce magnifique paysage anglais, en nous concentrant sur les valeurs tonales, la composition et la structure pour renforcer la lumière et l'atmosphère.

Thème : Savoir identifier ce qui est important et ce qui ne l'est pas dans un sujet. Pour créer des peintures fortes, il est important de savoir identifier ce qui est important dans un sujet et ce qui doit être éliminé ou simplifié. Dans cette leçon, nous parlerons de la façon d'identifier les faiblesses de vos peintures et nous ferons des exercices pour les améliorer. Nous réaliserons également une peinture de cette magnifique scène de plage en Catalogne, en Espagne, en nous concentrant sur la manière de simplifier un sujet pour le rendre plus fort.

Fleurs à la manière de Blanche Odin. Blanche Odin était une aquarelliste française née en 1865 à Troyes, en France. Blanche a peint de magnifiques fleurs dégageant une impression de douceur et de romantisme tout en étant techniquement habile, atmosphérique et puissante. Dans ce LIVE, je me concentrerai sur les formes fusionnées et suggérées et sur la façon dont vous pouvez créer ce type d'atmosphère rêveuse dans vos propres peintures.

Les peintures de Turner sont axées sur l'atmosphère et l'impression, plutôt que sur la représentation. Comment pouvons-nous utiliser un sujet, conserver le strict minimum et renforcer l'atmosphère en même temps ? Voyons comment Turner y est parvenu.

Thème : Les peintures d'Andrew Wyeth sont souvent des peintures en échelle de gris qui se concentrent plus sur les valeurs tonales que sur la couleur. Cela crée une atmosphère onirique qui est souvent contrebalancée par "quelque chose" d'un peu hors normes dans la peinture qui lui donne un effet surréaliste. Ce sera très amusant !

Thème : Comment les grands artistes ont-ils pu peindre de grandes toiles ? Cette semaine, nous nous pencherons sur l'univers de John Singer Sargent afin de tirer des enseignements de son art et de voir comment cela peut influencer vos propres idées.

Comment peindre un sujet lorsqu'il est seul ? Ce type de sujet peut créer des pièges, car certaines personnes travaillent trop le bateau et pas assez les alentours. Avec ce sujet, nous nous concentrerons sur la façon de donner de la valeur/importance aux espaces " vides " dans vos peintures.