Comment transformer n’importe quel sujet en tableau. Découvrez les DEUX clés essentielles sur lesquelles nous allons travailler dans ce cours : - Un tableau n’est pas une simple image - Un grand tableau se construit, il ne s’improvise pas Apprenez un processus reproductible pour transformer n’importe quel sujet en une aquarelle convaincante et expressive. Lors de ce cours, vous découvrirez : - Comment définir une idée claire, un concept, avant même de commencer à peindre - Comment structurer une peinture pour qu’elle se lise comme un véritable tableau, et non comme une simple reproduction - Comment simplifier vos sujets en organisant formes, valeurs et couleurs avec intention - Comment construire vos propres peintures étape par étape, pour ne plus dépendre de la copie de photos Ce cours est fait pour vous si vous souhaitez : - Ne plus dépendre systématiquement des photos de référence - Apprendre à bâtir une peinture autour d’un concept clair - Créer des aquarelles originales et personnelles - Renforcer les fondations de toutes vos peintures, quel que soit le sujet

Pourquoi l’aquarelle est le meilleur médium pour la créativité et l’évolution d’un artiste ! Liberté, transparence, fluidité, spontanéité, passion, mystère, émotion, atmosphère, force… L’aquarelle possède tant de qualités essentielles pour permettre à un artiste d’accéder à une véritable liberté artistique. À mon sens, aucune autre technique ne s’en approche à ce niveau. Confiance, liberté et progression artistique vont de pair. Dans ce cours, nous allons nous concentrer sur COMMENT développer votre parcours artistique, tout en restant un artiste libre, sans avoir besoin de suivre les tendances ni de peindre comme les autres pour être accepté. Ce cours est entièrement dédiée à VOTRE créativité, et à comprendre pourquoi l’aquarelle est le meilleur médium pour développer votre expression artistique — et comment y parvenir. IMPORTANT : Pourquoi l’aquarelle est aujourd’hui le meilleur médium artistique ? ESSENTIEL : Comment ne pas suivre les tendances et créer vos propres peintures avec confiance ? PROFESSIONNEL : Comment garantir confiance, liberté et progression artistique dans vos peintures, même si vous êtes peintre amateur !!!

Pourquoi vos aquarelles ont l’air inachevées, et comment y remédier?

Pourquoi certains sujets fonctionnent et d’autres pas ? Pourquoi certains attirent et se vendent, quand d’autres laissent indifférents ? À quel moment est-il important de peindre certains sujets, et quand peut-on — ou doit-on — être plus audacieux ? La confiance d’un artiste ne repose pas uniquement sur la technique, ni sur le niveau de ses peintures, ni sur le geste ou le coup de pinceau… La véritable mesure de la confiance d’un artiste réside dans ses choix. Cela signifie que VOS choix sont essentiels pour votre satisfaction, votre progression et vos résultats en tant qu’artiste !!! Ce LIVE est MAJEUR pour toutes celles et ceux qui souhaitent améliorer leurs peintures et/ou obtenir de meilleurs résultats en exposition ! IMPORTANT : Comment choisir vos sujets ? ESSENTIEL : Comment sélectionner des sujets efficaces pour un concours ou une exposition ? PROFESSIONNEL : Allons maintenant faire décoller vos peintures et obtenir les meilleurs résultats possibles !!

Découvrez pourquoi les sujets simples peuvent s’exprimer avec tant de force ! Lorsque vous souhaitez gagner en confiance, il est essentiel d’éliminer toute hésitation dans vos peintures. Cela ne concerne pas seulement la manière de peindre, mais aussi ce que vous choisissez de garder, d’enlever et d’amplifier. La confiance convainc. L’hésitation affaiblit. Pour convaincre, il ne suffit pas de peindre avec conviction : oser ne signifie pas forcément qualité. Dans ce cours, je souhaite me concentrer sur cette ligne subtile entre audace et “tout est permis”, ce moment où les choses cessent de fonctionner. Cette session est essentielle pour élever le niveau de vos peintures, votre satisfaction personnelle et vos résultats en peinture. IMPORTANT : Comment renforcer votre confiance et peindre des tableaux que VOUS aimez vraiment ? ESSENTIEL : Comment être audacieux sans aller trop loin ? PROFESSIONNEL : Comment réunir audace, confiance et qualité dans une même peinture !!! MAJEUR !

Comment créer des tableaux que vous aimez vraiment et obtenir de meilleurs résultats en peinture. Pourquoi regardons-nous certaines de nos peintures avec plaisir, alors que d’autres nous laissent totalement indifférents ? Quelle est cette « chose », cette part de magie qui habite certains tableaux et pas d’autres ? Dans ce cours, j’aimerais revenir sur l’un de mes tableaux préférés : Ian. Habituellement, je n’aime pas peindre des portraits en LIVE, mais quelque chose de très important se cache dans ce tableau et je souhaite absolument vous le transmettre. Il s’agit de donner vie à n’importe quel sujet, pas seulement aux portraits, de le faire respirer, exister. IMPORTANT : Qu’est-ce qui rend un tableau « spécial », différent des autres ? ESSENTIEL : Qu’est-ce qui crée la vie dans une peinture ? PROFESSIONNEL : Aller au-delà de la technique et provoquer un frisson chez le public grâce à des émotions intensément vivantes.

Découvrez ici comment je crée l’émotion et l’atmosphère dans ce tableau. Ma principale préoccupation lorsque je peins est de charger mes tableaux de ce que je RESSENS face à un sujet — non pas ce que je vois ou ce que je pense… mais ce que je ressens, afin que le spectateur puisse le ressentir à son tour. J’ai toujours peint ainsi et j’ai toujours créé des œuvres à forte charge émotionnelle, sans réaliser au départ que c’était rare. Je ne le savais pas. Aujourd’hui, je ressens qu’il n’y a pas assez d’artistes qui se connectent réellement à leurs émotions. Beaucoup de peintures sont audacieuses, fortes, techniques… mais peu sont habitées par une véritable émotion. Je vais ici vous montrer comment je procède, en recréant mon tableau One Moment in Time, afin que vous gagniez en confiance pour transmettre VOS propres émotions à travers vos peintures. IMPORTANT : Comment l’émotion se traduit-elle concrètement dans un tableau ? ESSENTIEL : Comment toucher le cœur du spectateur ? PROFESSIONNEL : Pourquoi les peintures émotionnelles sont celles qui se démarquent le plus, intemporelles et inestimables ?

Découvrez comment je compose mes tableaux pour leur donner force et exprimer une véritable assurance. Les six prochains cours sont consacrés à un objectif essentiel : renforcer votre confiance en peinture et améliorer vos résultats. White Spirit est une peinture que j’ai réalisée aux alentours de 2010. Ce sujet très simple repose entièrement sur la force de la composition. Une grande partie du message se joue dans l’équilibre, le geste, le travail du pinceau et la couleur. Toute cette peinture a été pensée pour dégager force et assurance. Dans ce cours, je vous expliquerai comment j’ai procédé et je vous guiderai pas à pas pendant que nous peindrons ce sujet ensemble. ⚠️ Attention : ce tableau est idéal pour libérer le geste et le pinceau ! IMPORTANT : la base de toute peinture, c’est la composition. Apprenez à exprimer la confiance à travers une composition solide. ESSENTIEL : la confiance et la force doivent être assumées, sans excuse. Affirmer ses choix, montrer de la conviction, convaincre : comment y parvenir ? PROFESSIONNEL : découvrez les critères clés que recherchent les jurys, afin que vos peintures séduisent à la fois les juges et le public.

Apprendre de Frederick McCubbin. Comment créer de l’émotion dans vos peintures !! Rejoignez-moi ici pour ma série Aquarelle LIVE « L’aube de l’Impressionnisme : d’hier à aujourd’hui ». Dans cette nouvelle série, je vous propose d’explorer le travail d’artistes du passé, issus de différents médiums et styles. L’objectif : apprendre de ces maîtres en observant leur usage de la couleur, des valeurs, de la composition et leurs choix techniques, afin de progresser plus rapidement dans nos propres peintures. Ici, nous étudierons l’œuvre de l’artiste impressionniste australien Frederick McCubbin (1855–1917). Né à Melbourne, McCubbin fut l’un des membres majeurs du groupe influent des Heidelberg School, connu pour sa capacité à raconter des histoires profondément émouvantes à travers des scènes du bush australien. Son tableau « Lost » compte parmi ses œuvres les plus célèbres. En une seule image, McCubbin crée une histoire entière — une histoire qui continue d’émouvoir plus d’un siècle après sa création, un exploit que peu d’artistes sont capables de réaliser. Aujourd’hui encore, beaucoup de peintures sont techniquement excellentes, mais manquent d’émotion. Dans ce cours, nous nous concentrerons donc sur la manière d’apporter plus d’émotion dans vos œuvres, en utilisant plusieurs principes que McCubbin maîtrisait parfaitement. IMPORTANT : Ce que Frederick McCubbin savait de la création de l’émotion en peinture. ESSENTIEL : Apprenez comment McCubbin créait de l’émotion dans ses œuvres. PROFESSIONNEL : Pourquoi les peintures de Frederick McCubbin sont si importantes pour le monde de l’art d’aujourd’hui — et pour tous les artistes en quête de progression.

Comment utiliser couleur et texture pour créer des paysages. Rejoignez-moi pour ma série Aquarelle LIVE « L’aube de l’Impressionnisme : d’hier à aujourd’hui ». Dans cette nouvelle série, je vous invite à étudier avec moi le travail d’artistes du passé, issus de différents médiums et styles. L’objectif est d’apprendre de ces maîtres en observant leur utilisation de la couleur, des valeurs, de la composition et leurs choix techniques, afin de gagner du temps dans notre propre progression artistique. Dans ce cours, nous poursuivons notre étude de l’artiste impressionniste australien Arthur Streeton (1867–1943). Nous examinerons de près comment Streeton parvenait à maîtriser l’atmosphère dans ses tableaux ! Dès le début de sa carrière, Arthur Streeton s’est concentré sur l’impression d’un sujet, et non sur la représentation détaillée de ses éléments. Sa capacité à identifier l’essentiel d’une scène et à éliminer toute distraction lui permettait de renforcer l’humeur, l’atmosphère et la qualité de la composition dans chacune de ses œuvres. De nombreuses peintures aujourd’hui sont techniquement très réussies, mais manquent d’émotion. Cette semaine, nous verrons comment ajouter davantage de mood et d’atmosphère dans vos propres peintures, en utilisant plusieurs principes développés par Streeton. IMPORTANT : Ce que Streeton a appris sur l’atmosphère. ESSENTIEL : Comment Streeton parvenait à créer une forte ambiance dans chacune de ses œuvres. PROFESSIONNEL : Ce qui fait que les peintures d’Arthur Streeton se démarquent encore aujourd’hui de celles de nombreux artistes — un point essentiel !

Apprendre d’Arthur Streeton (partie 2). Comment transformer un paysage en œuvre d’art !! Rejoignez-moi pour Aquarelle LIVE « L’aube de l’Impressionnisme : d’hier à aujourd’hui ». Dans cette nouvelle série, je vous invite à explorer avec moi le travail des artistes du passé, toutes techniques et tous styles confondus. L’objectif de cette série est de tirer des enseignements précieux de ces maîtres : observer leur gestion de la couleur, des valeurs, de la composition et leurs choix techniques, afin de gagner du temps dans notre propre progression. Dans ce cours, nous poursuivons l’étude de l’artiste australien Arthur Streeton (1867–1943), en analysant de près comment il transformait un simple paysage en véritable tableau. Artiste impressionniste, Streeton savait peindre de manière représentative, mais ce qui l’intéressait avant tout était de déceler la magie d’une scène et de transformer ce qu’il avait sous les yeux en peinture éblouissante. Pionnier de l’impressionnisme, l’un des meilleurs au monde, il savait créer une atmosphère, une humeur, parfois même une histoire au sein d’un paysage. Sa maîtrise du design et de la composition a fait de lui l’un des plus grands artistes impressionnistes de tous les temps. Mon expérience en tant que juge international m’a montré que les forces de Streeton en matière de design et de composition sont aujourd’hui parmi les points faibles les plus fréquents chez les aquarellistes. Alors plongeons ensemble dans ce que Streeton avait compris pour passer d’une simple scène à une véritable œuvre d’art. IMPORTANT : Comment Streeton transformait un sujet en œuvre d’art. ESSENTIEL : Comment Streeton maîtrisait le design et la composition dans ses tableaux. PROFESSIONNEL : Pourquoi le travail de composition de Streeton est une solution essentielle pour les artistes d’aujourd’hui.

Apprendre d’Arthur Streeton (part 1) : Utiliser couleur et texture pour créer des paysages puissants Bienvenue dans une nouvelle saison de Watercolour LIVE ! Je suis ravie de vous présenter ma nouvelle série « L'aube de l'impressionnisme : d’hier à aujourd’hui ». Dans cette série, je vous invite à voyager avec moi à travers le travail de grands artistes du passé, toutes techniques confondues. Notre objectif ? Comprendre leurs choix de couleur, de valeurs, de composition et de technique, afin de gagner un temps précieux dans notre propre progression artistique. Chaque artiste a été soigneusement choisi pour la force particulière qu’il a développée — une force qui, aujourd’hui encore, peut nous aider à nous améliorer et à aller plus loin. Dans ce cours, nous étudierons l’un de mes artistes préférés : Arthur Streeton, et sa manière magique d’utiliser la couleur et la texture pour créer des paysages inoubliables. Arthur Streeton (1867–1943) était un peintre paysagiste australien, figure majeure de la Heidelberg School, le mouvement impressionniste le plus important d’Australie. Ses toiles lumineuses, inspirées du bush australien, de la Hawkesbury River et des Blue Mountains, ont marqué l’histoire de l’art. Son œuvre Still Glides the Stream (1890) a été un tournant décisif dans sa carrière — une toile que nous analyserons ensemble ce lundi pour comprendre pourquoi. Considéré comme un véritable Maître en Australie, Streeton reste encore peu connu à l’international… pourtant, ses œuvres s’arrachent aujourd’hui à environ 5 millions de dollars australiens. IMPORTANT : Ce que Streeton a appris et qui l’a établi comme l’un des grands maîtres de l’impressionnisme. ESSENTIEL : Comment appliquer vous-même son approche unique de la couleur et de la texture dans vos aquarelles. PROFESSIONNEL : Ce qui fait d’Arthur Streeton l’un des meilleurs artistes australiens — et une figure incontournable de l’impressionnisme mondial.

Apprenez à peindre l’émotion dans vos tableaux grâce à la lumière et à l’atmosphère ! La peinture est avant tout un langage visuel. L’artiste cherche à exprimer ses idées, ses émotions et ses histoires à travers ses œuvres, et à les partager avec le public. Les tableaux chargés d’émotion touchent profondément les spectateurs, car les artistes capables d’y insuffler leurs sentiments authentiques et leurs messages personnels créent une connexion bien plus forte avec ceux qui les regardent. Comprendre comment introduire ses propres émotions dans sa peinture n’est pas toujours simple. Notre société nous pousse souvent à protéger nos émotions plutôt qu’à les montrer, et notre apprentissage artistique se concentre généralement sur la technique plutôt que sur l’expression. Pourtant, le langage des arts visuels est plus subtil, plus intime, et parfaitement adapté à l’expression de soi. Vos peintures peuvent ainsi devenir un véritable exutoire pour vos émotions et un lien sincère entre votre art et le public. Dans ce cours, nous verrons comment y parvenir. 🔸 IMPORTANT : Quel est le langage de l’émotion en peinture ? 🔸 ESSENTIEL : Comment identifier les émotions que vous souhaitez transmettre dans vos œuvres ? 🔸 PROFESSIONNEL : Comment créer une véritable connexion avec votre public ?

LIVE EXCEPTIONNEL : Passez du « tableau standard » à la création d’une œuvre majeure ! La plupart du temps, nous peignons des tableaux standards… et il n’y a rien de mal à cela ! Mais parfois, nous avons envie d’aller plus loin : réaliser une pièce majeure, répondre à une commande importante, ou simplement tester jusqu’où nous pouvons pousser nos résultats. Peindre une œuvre majeure demande une approche différente : une autre façon de concevoir, préparer, construire et finaliser votre peinture. Lors de ce cours et lors de celui de la semaine prochaine, je vous apprendrai les étapes essentielles pour passer au niveau supérieur. Même si vous ne vous sentez pas encore prêt à créer une œuvre d’envergure, comprendre ces étapes est indispensable : elles vous permettront de progresser plus vite et de développer votre potentiel artistique. Nous commencerons par un voyage dans le temps : nous analyserons comment les Maîtres du passé créaient chef-d’œuvre après chef-d’œuvre et pourquoi les artistes d’aujourd’hui progressent souvent moins vite. Ces deux sessions (20 et 27 octobre) se complètent et sont essentielles pour franchir un cap. Inscrivez-vous aux deux pour profiter pleinement de l’expérience ! Points forts de la séance Important : Découvrez les étapes pour dépasser les tableaux « standards » en vous inspirant des Maîtres. Essentiel : Apprenez à appliquer ces connaissances directement dans vos aquarelles. Pro : Comprenez les différences entre aquarelle et huile pour créer des œuvres marquantes.

Peignez la lumière et l’ombre avec puissance : inspirez-vous des Maîtres italiens ! Le clair-obscur, rendu célèbre par Le Caravage, utilise la puissance de la lumière et de l’ombre pour créer drame, intensité et force visuelle. L’aquarelle n’est pas une technique « timide » : elle peut être vibrante, profonde et impactante… à condition de maîtriser les contrastes de valeurs ! Dans ce cours, vous apprendrez comment concevoir des zones de lumière et d’ombres intenses tout en conservant fluidité, transparence et subtilité. Nous commencerons par un mini-cours technique sur les valeurs tonales : comment gérer les grands aplats sombres, les maintenir profonds et transparents, et équilibrer les contrastes pour donner un impact visuel maximum à vos œuvres. Nous peindrons ensuite une scène de rue dramatique, en apprenant à choisir les couleurs qui renforceront l’atmosphère et l’émotion de votre peinture. Un cours à ne pas manquer ! Points forts de la séance Important : Développez des contrastes de valeurs puissants dans vos peintures. Essentiel : Apprenez à conserver vos grands aplats sombres fluides, transparents et profonds. Pro : Découvrez comment utiliser la couleur avec la force du clair-obscur pour sublimer vos sujets.

Maîtrisez la lumière, les contrastes et l’ambiance dans vos scènes de rue ! Les scènes de rue peuvent donner des peintures magnifiques… mais sans vie, elles paraissent souvent vides, voire abandonnées. Pour les rendre vibrantes et captivantes, il faut ajouter des éléments de vie : des personnages, des voitures, des boîtes, des enseignes… Ces détails créent du mouvement et apportent des formes secondaires intéressantes dans un décor souvent dominé par de grands bâtiments. Mais le véritable secret d’une scène de rue réussie ne réside pas dans la rue elle-même… c’est la conception de la lumière et des ombres, et la manière d’y intégrer la vie. Dans ce cours, je commencerai par un mini-cours pour vous apprendre à simplifier un sujet complexe et à construire une composition solide grâce à l’utilisation des contrastes et de la lumière. Points forts de la séance Important : Apprenez à simplifier une scène de rue et à créer un design équilibré. Essentiel : Découvrez comment intégrer des éléments de vie (personnes, voitures, boîtes, enseignes…) pour enrichir la composition. Pro : Développez l’art d’orchestrer l’équilibre subtil entre formes figuratives et formes abstraites pour dynamiser vos peintures.